‹Wege durch das Land› findet in diesem Jahr in zwei Abschnitten statt. Der erste Abschnitt verlief vom 26. Juni bis zum 17. Juli und umfasste alle ursprünglich für diesen Zeitraum geplanten Veranstaltungen; der zweite Abschnitt beginnt am 12. August und endet am 18. September 2021.
Karten für den zweiten Festivalabschnitt können jetzt gekauft werden.
Andrea Abele-Brehm
Prof. Dr. Andrea Abele-Brehm begann ihre Laufbahn mit einem Studium der Psychologie, Soziologie und Geschichte an der Universität Konstanz, welches sie 1973 als Diplom-Psychologin beendete. Es folgten 1976 und 1986 eine erfolgreiche Promotion und Habilitation an den Universitäten Konstanz und Bielefeld. Nach einer kurzen Zeit als Professorin für Sozialpsychologie an der Universität Bielefeld hatte sie von 1984 bis 1994 dieselbe Professur an der Universität Erlangen-Nürnberg inne, ehe sie ab 1994 den Lehrstuhl für Sozialpsychologie. Zudem ist sie seit 2018 Vizepräsidentin der bayerischen Akademie der Wissenschaften. Neben über 220 Publikationen in Magazinen und Fachzeitschriften ist sie als Gutachterin für verschiedene Stiftungen, etwa der Studienstiftung des Deutschen Volkes, und Fachzeitschriften, wie dem European Journal of Social Psychology, tätig, engagiert sich fachpolitisch, etwa in den Jahren 2007 bis 2013 als Vorsitzende des Fördervereins Familie und Wissenschaft, und tritt in verschiedensten Print- und Rundfunkmedien, etwa der Zeit, dem Deutschlandfunk und der ARD, als Expertin auf. In ihren zahlreichen Tätigkeiten wurde sie bereits mit einer Vielzahl von Preisen ausgezeichnet, unter anderem 2010 mit dem Best Poster Award SIOP und dem Renate Witten-Stenzel Preis für Gleichstellungsforschung, 2012 mit dem Preis für Lehre des Bayrischen Staatsministeriums für Wissenschaft und Kunst wie auch 2016 den Moscovici Award der European Association of Social Psychology.
Afrob
Afrob ist eine Koryphäe des deutschen Hip-Hops. 1994 startete seine Rap-Karriere als Featureartist für befreundete Crews, wie die Massiven Töne, Freundeskreis (FK) und die Berliner Spezializtz; seinen musikalischen Werdegang führte er innerhalb der Stuttgarter Posse ‹Die Kolchose›, ‹FK Allstars› und bei den ‹Brothers Keepers› fort. 1999 erschienen sein erstes Solo-Album ‹Rolle mit Hiphop› und die Single ‹Reimemonster› mit Ferris MC. Sein bislang erfolgreichstes Album ‹Wer hätte das gedacht?›, brachte er 2003 zusammen mit Samy Deluxe als Künstler-Kombo ‹ASD› heraus, es erreichte Platz fünf der deutschen Charts. Es folgten weitere Soloalben, EPs und Kollaborationen sowie 2008 die Gründung des eigenen Musik Labels ‹G-Lette Music›. Afrob arbeitete mit Musikerinnen und Musikern wie DJ Friction, Max Herre, Ferris MC, Joy Denalane und Gentleman und Produzenten wie Needlz, Waajeed und B. R. Gunna zusammen. Er hatte Gastauftritte in den Filmen 2007 ‹Leroy› (2007) und ‹Kopf oder Zahl› (2009) und produzierte mit der Rapperin Brixx den Titelsong für die Serie ‹Alarm für Cobra 11›. 2019 erschien sein neuntes Album ‹Abschied von gestern› unter dem Label One Shotta Records.
Friedrich Ani
Friedrich Ani, geboren in Kochel am See, schreibt Romane, Gedichte, Jugendbücher, Hörspiele und Drehbücher. Seine Romane wurden in zehn Sprachen übersetzt und vielfach prämiert. Er erhielt sieben Mal den Deutschen Krimipreis sowie drei Mal den Stuttgarter Krimipreis. Für seine Drehbücher wurde er u.a. mit dem Adolf-Grimme-Preis, dem Bayerischen Fernsehpreis und der Goldenen Romy ausgezeichnet. Sein Roman ‹Der namenlose Tag› wurde unter die zehn besten internationalen Kriminalromane des Jahres gewählt und von Oscar-Preisträger Volker Schlöndorff verfilmt. Weitere Veröffentlichungen: ‹Die Raben von Ninive› (Gedichte), die Kriminalromane ‹Nackter Mann, der brennt›, ‹Ermordung des Glücks›, ‹Der Narr und seine Maschine›, ‹All die unbewohnten Zimmer›, ‹Letzte Ehre› (alle im Suhrkamp Verlag). Friedrich Ani ist Mitglied des Internationalen PEN-Clubs. Er lebt in München.
Eyüp Aramaz
Eyüp Aramaz studierte berufsbegleitend zu seiner Anstellung als Kommissar der Polizei Niedersachsen an der Fachhochschule des Mittelstandes in Bielefeld Mittelstandsmanagement. Nachdem er mit Aramaz Digital GmbH eine Agentur für digitale Sichtbarkeit gründete und leitete wurde er 2016 zum Entrepreneur in Residence der Founders Foundation, auf dessen Basis er gemeinsam mit Tobias Pfaff das Unternehmen FoodTracks gründete. Mit diesem entwickelte und verbreitete er Controlling-Software für Bäckereibetriebe. Des Weiteren organisiert er seit Ende 2015 die ‹Fuckup Nights OWL›, ein weltweit bekanntes Eventformat, bei der Unternehmerinnen und Unternehmer offen über ihr Scheitern berichten und aufzeigen, was sie daraus gelernt haben.
Barbara Auer
Barbara Auer, geboren 1959, trat von 1999 bis 2014 u. a. am St. Pauli Theater und den Kammerspielen in Hamburg, bei den Ruhrfestspielen und am Wiener Burgtheater auf. Zudem ist sie in zahlreichen Fernseh- und Kinoproduktionen zu sehen, darunter ‹Die Innere Sicherheit› (2000) und ‹Transit› (2017) von Christian Petzold, die Romanverfilmung ‹Die Bücherdiebin› (2013, Regie: Brian Percival), ‹Vakuum› (2016, Regie: Christine Repond), die Tragikomödie ‹Was uns nicht umbringt› von Sandra Nettelbeck (2017) und der historische Dreiteiler ‹Preis der Freiheit› (Regie: Michael Krummenacher). Für ihre Darstellungen wurde Barbara Auer mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet, wie 2017 als Beste Schauspielerin auf dem ‹Tallinn Black Nights Film Festival PÖFF› für ihre Leistung in ‹Vakuum›, 2019 mit dem Hannelore-Elsner-Preis für bedeutenden Schauspielkunst oder zuletzt 2020 mit dem Deutschen Fernsehpreis. Sie erhielt unter anderem den Sonderpreis der Deutschen Akademie der Darstellenden Künste sowie den Grimme Preis, den Deutschen Filmpreis und die Goldene Kamera.
Autoren-Nationalmannschaft
Die Autoren-Nationalmannschaft, kurz Autonama, wurde 2005 von Thomas Brussig anlässlich der ersten Writers’ league-EM in Italien gegründet, so sie auf Anhieb den 2. Platz belegte. Im Folgejahr erspielte sich die Mannschaft einen tapferen 4. Platz beim Turnier im eigenen Land. Seit 2008 wird die Autonama offiziell von der DFB-Kulturstiftung gefördert und gewann 2010 beim Ruhrlitcup die vierte Europameisterschaft der Autorennationalmannschaften. 2008 erschien im Suhrkamp Verlag die Anthologie ‹Titelkampf›, in der mehr als 30 Fußballgeschichten der einzelnen Mitglieder der Autonama zu finden sind. 2011 folgte die Sammlung ‹Fußball ist unser Lieben› mit vielen neuen Erzählungen. Trainiert wird die Autonama wöchentlich auf dem Platz von Blau-Weiß Berolina Mitte aktuell vom Autor Andreas Merkel. Neben Fußballgrößen wie Hans Meyer und Jörg Berger trainierte auch Otto Rehhagel, ehemaliger Bundesligaprofi und erfolgreicher Trainer u. a. der griechischen Nationalmannschaft, die Autonama. Ehrenspielführer war bis zu seinem Tod 2020 Ror Wolf. Autoren wie Benedict Wells oder Wolfgang Herrndorf waren ebenso Mitglieder der Autonama wie Sönke Wortmann und John von Düffel. Die ‹Botschafter in kurzen Hosen› entwickelten sich durch ihre literarischen Begegnungen zu international anerkannten Repräsentanten und Kulturvermittlern. Dem Prinzip der Autonoma folgend, wird auch bei uns nach dem Schlusspfiff des Spiels der Rasen des Stadions zu einer Lesebühne.
Dietmar Bär
Dietmar Bär ist einer der profiliertesten Schauspieler der deutschen Film- und Fernsehbranche. Seine Schauspielausbildung absolvierte er an der Westfälischen Schauspielschule Bochum und gastierte währenddessen am Schauspielhaus Bochum. Seine erste Filmhauptrolle spielte Bär 1984 im Film ‹Treffer›, seither ist er regelmäßig im TV und auch auf der Kinoleinwand zu sehen. Er wirkt außerdem in zahlreichen Hörbüchern z. B. von Hakan Nesser mit und arbeitet als Synchronsprecher für Filme wie ‹The Sectret life of Pets› oder ‹Wickie und die starken Männer – Das magische Schwert› . Anfang der 90er Jahre stand Bär erstmalig mit dem Schauspieler Klaus Behrendt als Ermittlerduo Schenk und Ballauf im Kölner ‹Tatort› vor der Kamera. Für seine Rolle als ‹Tatort›-Ermittler erhielt Bär 2000 den Deutschen Fernsehpreis. 1998 gründeten Bär und Behrendt gemeinsam den Verein ‹Tatort – Straßen der Welt e.V.›, der sich sowohl für Entwicklungs- und Kinderrechtsprojekte im Ausland als auch für Bildungsprojekte in Deutschland engagiert. 2015 wurde Bär für sein Engagement mit dem Landesverdienstorden des Landes Nordrhein-Westfalen ausgezeichnet.
Anna Bauer
Anna Bauer ist Komponistin, Sängerin und Musikerin. Ihre Laufbahn begann mit einem Studium an der Hochschule für Musik und Theater Hamburg in den Fächern Popgesang und Songwriting. 2018 schloss sie ihr Masterstudium in Filmkomposition an der National Film and Television School in London ab. Seit 2012 ist sie als Komponistin, Klavierspielerin und Sängerin an verschiedenen Theatern beschäftigt, unter anderem am Thalia Theater in Hamburg, dem Schauspielhaus Zürich oder dem Schauspielhaus Bochum. Ihre bisherigen Arbeiten wurden geprägt von unter anderem Antù Romero Nunes, Armin Petras, Johanna Witt und Philipp Becker. Mit ihrer Tätigkeit als Filmmusikkomponistin unterstützte sie unter anderem die BBC, BBC Denmark, die BAFTA, Channel 4 und den WDR, ebenfalls wurden ihre Arbeiten beim Annecy Filmfestival, dem Sheffield Doc Fest, dem New York Jewish Film Festival und dem London Short Film Festival gezeigt. Ihre Komposition für den Animationsfilm ‹Home› wurde 2020 mit dem Festivalpreis Best Original Score in Annecy ausgezeichnet.
Shida Bazyar
Shida Bazyar, geboren 1988 in Hermeskeil, studierte in Hildesheim Literarisches Schreiben und Kulturjournalismus und war Stipendiatin sowohl der Heinrich-Böll-Stiftung (2009) sowie 2012 des Literaturkreises der Klagenfurter Tage der Deutschsprachigen Literatur. 2016 erschien ihr Debütroman ‹Nachts ist es leise in Teheran› im Kiepenheuer & Witsch Verlag. Vielfach preisgekrönt, unter anderem mit dem Bloggerpreis für Literatur, dem Ulla-Hahn-Autorenpreis, dem Uwe-Johnson-Förderpreis oder Kulturpreis der Evangelisch-Lutherischen Landeskirche Hannover, wurde der Roman auch in mehrere Sprachen übersetzt. Zuletzt erschien im April 2021 ihr zweiter Roman ‹Drei Kameradinnen›, der sich mit Alltagsrassismus und Ausgrenzung, Privilegien und Zugehörigkeit beschäftigt und aus welchem sie bei ‹Wege durch das Land› lesen wird. Neben Ihren Roman publizierte Bazyar viele Kurzgeschichten in Zeitschriften und Anthologien.
Beatrix Becker
Gerd Bergmeister
Christian Berkel
Nach seiner Schauspielausbildung in Paris bei Pierre Bertin und an der deutschen Film- und Fernsehakademie in Berlin feierte Christian Berkel sein Filmdebüt 1977 in einer Rolle als Student im Kinodrama ‹Das Schlangenei› des schwedischen Regisseurs Ingmar Bergman. Danach war er auf renommierten Bühnen, u. a. am Sauspielhaus Bochum, am Schauspielhaus Düsseldorf, am Schillertheater Berlin, am Residenztheater München und am Burgtheater Wien unter der Regie von Claus Peymann, Rudolf Noelte und Alexander Lang, und auch in Fernsehen und Kino zu sehen. Zu seinen aktuellsten Arbeiten gehört der Kinofilm ‹Schächten› (Thomas Roth) sowie Arbeiten für Amazon Prime- und Netflix-Produktionen. Er wirkte zudem an internationalen Filmen mit, darunter ‹Inglorious Basterds› (Quentin Tarantino), ‹Operation Walküre› (Bryan Singer), ‹Laissez-Passer› (Bertrand Tavernier) und ‹Elle› (Paul Verhoeven). Mit dem deutschen Fernsehpreis in der Kategorie ‹Bester Mehrteiler› und dem Romy-Preis als ‹Bester Film› 2012 für ‹Der Mann an dem Fagott› (Miguel Alexandre), dem Bami 2004 für ‹Der Untergang› (Oliver Hirschbiegel), der goldenen Kamera in den Kategorien ‹Bester Schauspieler› und ‹Bester Fernsehfilm› für ‹Mogadischu› (Roland Suso Richter) oder dem Bambi-Publikumspreis 2011 wurde Christian Berkel bereits vielfach gewürdigt. Des Weiteren engagiert sich der Schauspieler in mehreren Vereinen gegen Antisemitismus und Rechtsextremismus, etwa innerhalb der Amadeus Antonio Stiftung, ist Botschafter der Stiftung ‹Deutschland rundet auf› und Schirmherr der Stiftung ‹Ein Platz für Kinder›.
Bielefelder Philharmoniker & Alexander Kalajdzic
Die Bielefelder Philharmoniker, unter der Leitung von Generalmusikdirektor Alexander Kalajdzic, bilden gemeinsam mit dem Theater Bielefeld und der Rudolf-Oetker-Halle die Bühnen und Orchester der Stadt Bielefeld. Das Orchester bietet ein umfangreiches Konzertprogramm mit Werken vom Barock bis zu Uraufführungen der Gegenwart an. Renommierte Solistinnen und Solisten wie Frank Peter Zimmermann, Martin Helmchen, Håkan Hardenberger und andere kommen gerne nach Bielefeld, um mit den Philharmonikern zu konzertieren. Als Residenzorchester der Rudolf-Oetker-Halle, dem Konzerthaus Bielefeld, welches durch seine besondere Architektur und unvergleichliche Akustik ein bedeutendes Zentrum des kulturellen Lebens in Bielefeld und der Region OWL darstellt, sind sie musikalisch nicht mehr wegzudenken. Auf dem abwechslungsreichen Programm stehen ebenso Crossover-Konzerte, bei denen die Orchestermusikerinnen und –musiker mit internationalen Künstlerinnen und Künstlern wie Magnus Lindgren – dem Artist in Residence der Rudolf-Oetker-Halle –, Till Brönner, Max Herre oder Take 6 zusammenarbeiten.
Der Generalmusikdirektor des Theaters Bielefeld und der Bielefelder Philharmoniker Alexander Kalajdzic wurde in Zagreb, Kroatien geboren, absolvierte seine Ausbildung an der Musikhochschule in Wien und schloss die Dirigierklasse von Karl Österreicher mit Auszeichnung ab. Er arbeitete unter anderem als Kapellmeister in München, als erster Dirigent des Nationaltheaters Weimar und als erster Kapellmeister am Nationaltheater Mannheim. Sein Repertoire reicht vom frühen Barock bis zur Moderne, wobei sein besonderes Interesse der französischen Musik gilt. Seit der Spielzeit 2010/2011 arbeitet er in Bielefeld.
Elisaveta Blumina
Die Pianistin und künstlerische Leiterin des Hamburger Kammermusikfestes International Elisaveta Blumina gilt nicht erst seit der Verleihung des Echo-Preises als herausragende Vertreterin der Pianistengeneration. Ihre Qualitäten gründen sich in der großen russischen Klaviertradition ganz im Stil von Heinrich Neuhaus. Der musikalische Werdegang der deutschen Pianistin Blumina begann parallel zu ihrer Leidenschaft für das Ballett. Sie wurde schon als Kind in die berühmte Vaganov Ballett Schule aufgenommen und war fest entschlossen, Ballerina zu werden. Auf ärztlichem Rat, nämlich nach Röntgenuntersuchungen, die prognostizierten, wie groß sie einmal werden würde, wurde ihr geraten, doch zurück an die Spezialmusikschule zu gehen. Im Alter von 12 Jahren wurde sie an der Kunstschule des Museums ‹Eremitage› angenommen und studierte dort fünf Jahre lang Kunstgeschichte. Elisaveta Blumina ist einer den besten Interpretinnen der Musik des 20. und 21. Jahrhunderts: Mittlerweile 36 CDs festigen dieses Renommee. Sie ist ein sehr gerne gesehener Gast in der Carnegie Hall in New York, der Elbphilharmonie und der Hamburger Laeiszhalle, der Berliner Philharmonie, Auditorio Nacional in Madrid, St. Petersburger Philharmonie, Gasteig in München, Konzerthaus Berlin, der Beethovenhalle Bonn, der National Concert Hall Dublin sowie bei Festivals wie Verbier, Colmar, Lockenhaus oder dem Schleswig-Holstein Festival. Sie spielt regelmäßig mit vielen bekannten Orchestern, darunter die Dresdner Philharmoniker, das Philharmonische Staatsorchester Hamburg, St. Petersburg Philharmonie Orchester, das Malaysian Philharmonic Orchestra, das Aalborg Symphony Orchestra, das Stuttgarter Kammerorchester, die Sinfonia Varsovia, die Staatskapelle Halle, das RTE Orchestra in Dublin sowie die Moskauer Virtuosen.
Capella de la Torre
Die Capella de la Torre gehört zu den erfolgreichsten Ensembles im Bereich der Alten Musik und spielt auf historischem Instrumentarium. Seit ihrer Gründung durch Katharina Bäuml 2005 haben die mehrfachen Echopreisträger dreißig CDs aufgenommen und über eintausend Konzerte gespielt. Ihre neueste CD ‹Preatorius Dances› erschien im Juni 2021. Ein besonderes Anliegen des Ensembles ist neben der Konzerttätigkeit die Arbeit an Education-Programmen, welche durch Vermittlungsprojekte Neugier auf Alte Musik wecken sollen. Außer als Hommage an den Komponisten Francisco de la Torre ist der Name des Ensembles wörtlich zu verstehen, denn ‹de la Torre› bedeutet übersetzt ‹vom Turm herab›, wie es in der Tradition von Ministriles, Piffari und Stadtpfeifern üblich war. Bei ‹Wege durch das Land› tritt die Capella de la Torre gemeinsam mit Margaret Hunter und Maurizio Castrucci auf. Katharina Bäuml studierte moderne und Barockoboe sowie historische Rohrblattinstrumente wie die Schalmei, und ist Leiterin mehrerer Festivals und Konzertreihen. Die aus Neuengland stammende Sopranistin Margaret Hunter erhielt ihre Ausbildung in Boston (USA), Oxford (UK) und an der Hochschule für Künste, Bremen. Seit 2014 ist sie regelmäßiger Gast bei der Capella de la Torre. Maurizio Castrucci beschäftigt sich seit fast 50 Jahren mit Karate und hat auf der ganzen Welt mit den berühmtesten Karateka gearbeitet. Er hat den Schwarzen Gürtels (IV Dan) in Karate Shōtōkan.
Cuarteto Rotterdam
Das Cuarteto Rotterdam wurde 2004 während eines gemeinsamen Musikstudiums an der Rotterdam Academy für World Music gegründet und nach dessen Entstehungsort benannt. Seitdem bespielte das musikalische Quartett in der Besetzung Michael Dolak (Bandoneón), Susanne Cordula Welsch (Violine), Judy Ruks (Piano) und Anna-Maria Huhn (Kontrabass), bereits unterschiedlichste Konzertsäle, Tangobälle und internationale Musik- und Tangofestivals unter anderem in Paris, Istanbul, Zürich, Amsterdam und Buenos Aires. Auf der Suche nach dem Tango des 21. Jahrhunderts kombinieren sie traditionelle argentinische Tangoklänge mit argentinischen und europäischen Tango-Kompositionen der Gegenwart. Neben mehreren aufgenommenen Alben erschien 2018 die CD ‹Un Placer›, die eine Mischung aus Titeln bekannter Musiker wie Carlos Di Sarli, Juan D‘Arienzo, Anibal Troilo und Osvaldo Pugliese mit selten gespielten Titeln und ausgefeilter Dramaturgie verbindet. Die Musikerinnen und Musiker wurden 2011 beim Internationalen Akkordeonwettbewerb in der Kategorie ‹Instrumentalgruppen mit Bandoneón› mit dem ersten Preis ausgezeichnet.
Meike Droste
Meike Droste studierte bis 2003 Schauspiel an der Otto-Falckenberg-Schule in München. Noch während ihres Studiums (sie) sammelte sie erste Schauspielerfahrungen bei den Münchner Kammerspielen. Nach ihrem Studienabschluss wurde sie Mitglied des Berliner Ensembles unter der Leitung von Claus Peyman. Nach zwei Jahren wechselte sie ans Schauspielhaus Zürich, wo sie für ihre bemerkenswerte Arbeit auf der Bühne 2005 die Goldene Maske erhielt. Anschließend wechselte Droste an das Deutsche Theater Berlin, wo sie unter anderem mit Barbara Frey und Jürgen Gosch zusammenarbeitete. 2007 spielte Meike Droste in einer ersten Kinofilmproduktion ‹Baching› mit, danach folgten Fernsehproduktionen wie ‹Tatort› und ‹Hannah Mangold›. Durch ihre Rolle der Bärbel Schmied in ‹Mord mit Aussicht› wurde Meike Droste einem großen Fernsehpublikum bekannt. Zu Drostes aktuellen Arbeiten gehört u. a. die Produktion ‹Nachtwald› von André Hörmann. Für ihre Darstellungen wurde Meike Droste u. a. 2005 mit der Goldenen Maske der Gesellschaft der Freunde des Schauspielhauses Zürich geehrt und 2009 mit dem Faust-Theaterpreis für die Beste Darstellerische Leistung in Tschechows ‹Die Möwe› in der Regie von Jürgen Gosch ausgezeichnet.
Crescentia Dünßer
Crescentia Dünßer studierte Schauspiel am Konservatorium für Musik und Theater in Bern. Ihr erstes Theaterengagement führte sie nach Bochum zu Claus Peymann. Die folgenden Jahre waren von einer engen Zusammenarbeit mit dem Schauspieler Otto Kukla geprägt. 1986 gründeten beide gemeinsam das ‹Zelt Ensemble Theater›, danach leiteten sie von 1993 bis 1999 das Zimmertheater Tübingen und von 1999 bis 2004 das Theater Neumarkt in Zürich. 1993 erhielt das Duo den Regieförderpreis für ‹Fegefeuer in Ingolstadt›. Seit 2004 ist Dünßer freischaffend als Regisseurin, u. a. am Badischen Staatstheater Karlsruhe und Braunschweig sowie am Deutschen Schauspielhaus Hamburg tätig und seit 2012 vor allem als Dozentin, Regisseurin, Projektleiterin vor allem interdisziplinär, an den Hochschulen in Zürich, Linz, Ernst Busch in Berlin und an der Otto-Falckenbergschule in München. Dort inszenierte sie unter anderem das inklusive Projekt ‹Wie hoch ist Augenhöhe›, welches 2018 an den Kammerspielen München präsentiert wurde. Sie initiiert und leitet seit 2017 thematische Workshops im intuitiven Schreiben, u. a. in Tel Aviv, Berlin, Freiburg, Kempten. Daneben ist sie als Theater- und Filmschauspielerin tätig. Sie war in Kinofilmen wie ‹Wallers letzter Gang›, ‹Stille Sehnsucht Warchild› sowie in Fernsehfilmen zu erleben und stand vielfach, unter anderem am Staatstheater Stuttgart, am Theater Baden-Baden sowie am Alten Schauspielhaus Stuttgart, auf der Bühne. Aktuell erarbeitet sie unter Henrik Ibsen das Schauspiel ‹Gespenster› am Theater Baden-Baden (Premiere am 08. April 2022). Sie wirkt bei Jurytätigkeiten mit, u.a. vielfach bei der Studienstiftung des deutschen Volkes und arbeitet außerdem seit 2015 als Mediatorin und Coach. Sie konzipierte und leitete den Schreibworkshop von ‹Wege durch das Land› bei der von Bodelschwinghschen Stiftung in Bethel und erstellte die Fassung der Lesung. Diese wird bei der heutigen Veranstaltung präsentiert.
Charles-Antoine Duflot
Mit sechs Jahren erhielt Charles-Antoine Duflot seinen ersten Violoncellounterricht und wurde 1999 Jungstudent am Conservatoire National de Région de Paris. Später wechselte er an die Staatliche Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Stuttgart zu Prof. Jean-Guihen Queyras und an die Musikhochschule Lübeck zu Prof. Troels Svane, sowie nach Basel für ein Ergänzungsstudium im Fach Barockcello bei Prof. Christophe Coin. Weitere künstlerische Anregungen erhielt er u. a. von Antonio Meneses, Jens-Peter Maintz, Wolfgang-Emanuel Schmidt und Gary Hoffmann. Duflot wurde von der Deutschen Stiftung Musikleben, von der Oscar und Vera Ritter-Stiftung Hamburg, der Possehl-Stiftung Lübeck und der Studienstiftung des deutschen Volkes gefördert. Der Cellist erspielte sich zahlreiche Preise, unter anderem beim U.F.A.M.-Wettbewerb in Paris, sowie bei der International J&A Beare Solo Bach Competition in London. Als Solist konzertierte Charles-Antoine Duflot mit der RadioPhilharmonie des NDR Hannover, dem BR-Rundfunkorchester und dem Janacek Philharmonic Orchestra.
Duo Aliada
Das Duo Aliada setzt sich seit der Gründung 2013 aus dem serbischen Akkordeonisten Bogdan Laketic und dem polnischen Saxophonisten Michał Knot zusammen. Das Duo spielte im Wiener Musikverein, der Carnegie Hall New York, der Tonhalle Zürich oder dem Hermitage Theater St. Petersburg und war zudem auch bei populärem Rundfunk wie dem ORF1, SWR2, BR-Klassik und Radio Klassik zu hören. Gemeinsam veröffentlichte das Duo Aliada bereits verschiedene Projekte, zuletzt das ‹East – West›-Projekt oder ihr Debütalbum ‹New colours of the past›, welches für den OPUS KLASSIK Preis in den Kategorien ‹Kammermusik› und ‹Klassik ohne Grenzen› nominiert wurde. Neben dem 1. Preis beim 12. Fidelio Wettbewerb und dem 3. Preis beim M-Prize Wettbewerb, wurde das Duo 2016 mit österreichischen Förderungsprogramm ‹The New Austrian Sound of Music› ausgezeichnet.
Karoline Eichhorn
Karoline Eichhorn absolvierte ihre Ausbildung an der Folkwang-Schauspiel-Schule in Essen. 1989 feierte sie im Stück ‹Der Kirschgarten› an der Schaubühne Berlin ihr Theaterdebüt und wechselte später für einige Jahre an das Schauspielhaus Bochum. Weitere Stationen machte sie auf den Theaterbühnen des Burgtheaters Wien, des Thalia Theaters in Hamburg sowie bei den Salzburger Festspielen. Ihr Leinwanddebüt feierte Eichhorn 1995 im Film ‹Der Sandmann› unter der Regie von Nico Hofmann. Für ihre herausragende Leistung wurde sie mit dem Adolf-Grimme-Preis ausgezeichnet. Im gleichen Jahr erschien mit ‹Gegen Ende der Nacht› ein weiterer gefeierter Film, der mit Bayrischen Filmpreis ausgezeichnet wurde. Weitere große filmische Mitwirkungen waren unter anderem 2002 ‹Der Felsen›, für den sie den Darstellerpreis des Bayrischen Filmpreises erhielt, mehrere Auftritte im ‹Tatort› sowie den Serien ‹Wilsberg› und ‹Emma nach Mitternacht› und 2018 der Film ‹Brüder›, für welchen sie den Deutschen Fernsehpreis erhielt. Von 2017 bis 2020 war sie auch in der Netflix-Serie ‹Dark› zu sehen. Nebst ihrer darstellenden Tätigkeit spricht Karoline Eichhorn auch Hörspiele ein, etwa 2004 ‹Top Dogs› von Urs Widemer oder 2006 ‹Blut im Schuh› von Ellery Queen sowie seit 2008 die Nina Brändle in der SWR-Produktion des ARD-Radio-‹Tatorts›. Weiterhin führte Karoline Eichhorn selbst Regie bei dem Film ‹Donny hat ein neues Auto und fährt etwas zu schnell› (2019) und tourt aktuell mit der szenischen Lesung ‹Die Vodkgespräche› (von Arne Nielsen) durch Deutschland.
Ensemble Unterwegs
Im Sommer 2009 taten sich die vier Musikerinnen für ein musikalisches Wanderprojekt zusammen, aus dem dann ihr einzigartiges Ensemble Unterwegs erwachsen ist. Ausschließlich zu Fuß und für mehrere Tage unterwegs, haben sie nur ihre Instrumente dabei, um Musik gegen Kost und Logis zu tauschen und dadurch mit ihrem Publikum persönlich in Kontakt zu kommen. An erster Stelle steht für die drei Profi-Musikerinnen das Bedürfnis, der klassischen Musik ein neues Publikum und in der Natur, wie in privaten Wohnzimmern ganz neue Bühnen zu finden. In ihrem Repertoire haben sie dabei eine Auswahl aus Volksliedern und für ihre Besetzung arrangierten Kunstliedern, sowie extra für sie komponierte Werke. Die menschlichen und musikalischen Begegnungen, die die Musikerinnen jährlich bei ihrem Wanderprojekt erleben, beeinflussen seitdem den Umgang mit ihrem Publikum und prägen auch ihre Gesprächskonzerte in Form von Anekdoten während der Konzertsaison. Ihr Anspruch, die Konzerte als ein persönlich bereicherndes Erlebnis für die Zuhörerinnen und Zuhörer zu gestalten, ist das Markenzeichen ihrer Auftritte, seit sie sich als Ensemble auf den Weg gemacht haben.
Express Brass Band
Die Express Brass Band wurde 1999 u. a. von Wolfi Schlick in München gegründet. Die Band besetzt neben den Blechblasinstrumenten auch Saiteninstrumente wie Gitarren und Violonen und zeichnet sich so durch einen außergewöhnlichen Sound aus. Mit Musikstilen von Jazz, Soul, Afrobeat, New Orleans Brass und Latin bis hin zu Einflüssen aus Maghreb und Afghanistan tragen die Musikerinnen und Musiker dazu bei, dass der Sound der wechselnden Formationen außergewöhnlich bleibt. Seit 2001 war das Kollektiv mehrfach bei internationalen Brass Band- und Street Art Festivals zu Gast, z. B. in Österreich, Italien, Frankreich, Spanien, England und der Türkei. Neben ihren Liveauftritten entstanden auch vier Alben: beginnend 2004 mit ‹Oriental Journey›, 2013 ‹We have come›, 2017 ‹Pluto kein Planet› und zuletzt 2019 ‹Who’s Following Who›.
Gerhard Falkner
Gerhard Falkner gilt als einer der einflussreichsten und stilprägenden zeitgenössischen deutschen Lyriker. Nach einer abgeschlossenen Buchhändlerausbildung lebte er zunächst in London, bevor er begann, Gedichte und Prosa für Künstlerbücher und Zeitschriften zu verfassen. 1981 debütierte er mit seinem Gedichtband ‹so beginnen am körper die tage›, welcher mit der Experimental- und Befindlichkeitslyrik des vorangegangenen Jahrzehnts bricht. Es folgten zahlreiche weitere Gedichtbände wie ‹Wemut› (1989) oder ‹Ignatien› (2014), aber auch essayistische, dramatische Prosaarbeiten. Seine Romane ‹Apollokalypse› (2016) und ‹Romeo oder Julia› (2017) standen auf der Long- und Shortlist des Deutschen Buchpreises. Zuletzt erschien sein Gedichtband ‹Schorfheide: Gedichte en plein air› im Berlin Verlag. Neben Aufenthalten in der Villa Massimo/Casa Baldi und der Akademie Schloss Solitude war Falkner auch 2014 Stipendiat in der Villa Aurora in Los Angeles, Kalifornien. Seine Arbeiten wurden mit u. a. dem Wolfram-von-Eschenbach-Kulturpreis, dem Preis für Kunst und Wissenschaft der Stadt Nürnberg, dem Bayerische Staatsförderpreis oder dem Peter-Huchel-Preis für deutschsprachige Lyrik ausgezeichnet.
Anna Fingerhuth
Im Alter von sieben Jahren begann Anna Fingerhuth ihre tänzerische Ausbildung am Ballettzentrum Hamburg John Neumeier. Es folgten ihr Studium des Diplom-Bühnentanzes an der Palucca Hochschule für Tanz Dresden sowie drei Semester in den Fächern Französische und Spanische Sprach-, Literatur- und Kulturwissenschaft an der Technischen Universität Dresden. In den Jahren 2007 bis 2010 arbeitete sie als freischaffende Tänzerin und Choreographin, unter anderem mit Golde Grunske, Henriette Pedersen und Julia Hölscher. Es folgten 2009 ein Engagement als Tänzerin bei der an die Accademia Nazionale Di Danza angegliederte LaCompagnia in Rom und ab der Spielzeit 2009/10 eine Anstellung als Solistin am Staatstheater Tanz Braunschweig unter der Leitung von Jan Pusch. Seit der Spielzeit 2015/16 ist sie als freischaffende Künstlerin tätig und widmet sich einer Vielzahl von Projekten, unter anderem ‹Obnimashki› von Ania Aristakhova, dem Quintett ‚Another Round for Five’ von Cristiana Morganti und der Produktion ‚#MACHT1 – es wird gefolgt / Am Königsweg nach Elfriede Jelinek’ von the guts company . 2018 verhalf Anna Fingerhuth der Produktion ‚Welcome to the Comfort Zone’ zum Erlangen des BEST OFF Preis Niedersachsen für die beste Off-Produktion.
Niels Frevert
Songwriter, Deutschpoet, Liedermacher: Niels Frevert begann seine Karriere als Sänger und Songwriter in der Hamburger Band Nationalgalerie, mit der er Rockmusik mit deutschen Texten spielte und insgesamt vier Alben produzierte. Seit 1996 ist er solo unterwegs. Niels Freverts erstes Soloalbum erschien 1997 beim Major Label Motor Music, von dem zum 10-jährigen Jubiläum 2007 ein Re-Release mit neuen Liedern erschien. Ungewöhnlicher Sprachstil, teils komplexe Songstrukturen, aber stets eingängige Gitarrenfiguren zeichnen seine Musik aus. Bis 2019 erschienen fünf weitere Alben und zuletzt in Zusammenarbeit mit Produzent Philipp Steinke sein aktuelles Album mit dem Titel ‹Putzlicht›. Darin werden Themen wie Verlorenheit, innere Krisen sowie die Suche nach dem Sinn und nach dem Weg zurück zum Glück in unaufgeregtem und modernem Bandsound behandelt.
Das Niels Frevert Trio tritt bei ‹Wege durch das Land› in der Besetzung Niels Frevert (Gesang und Gitarre), Martin Hornung (Klavier) und Christian Bernewitz (Gitarre) auf.
Alexej Gerassimez
Alexej Gerassimez ist Multiperkussionist und aufstrebender Star der Szene. Neben den üblichen Schlag- und Rhythmusinstrumenten bindet er Gegenstände aus eigentlich musikfernen Kontexten wie Flaschen, Bremsscheiben, Fässer oder Schiffsschrauben in seine Musik ein. Sein Repertoire reicht von Klassik und Neuer Musik über Jazz zu Minimal Music und erweitert sich zusätzlich durch eigene Kompositionen. Alexej Gerassimez‘ Ausbildung begann als Jungstudent bei Christian Roderburg und Stefan Hüge an der Hochschule für Musik in Köln, er wechselte später zur Hanns Eisler Hochschule für Musik in Berlin und schloss sein Studium 2014 bei Peter Sadlo an der Hochschule für Musik und Theater in München mit dem Master ab. Er wurde von der Studienstiftung des deutschen Volkes, der Deutschen Stiftung Musikleben und der Yamaha Music Foundation of Europe gefördert. Seit November 2017 ist Alexej Gerassimez Professor für Schlagzeug an der Hochschule für Musik und Theater in München. Als Solist ist Gerassimez Gast international renommierter Orchester, unter anderem der NDR Radiophilharmonie Hannover, des Konzerthausorchesters Berlin oder des SWR Symphonieorchesters und unter der Leitung von Dirigenten wie Tan Dun, Kristjan Järvi, Eivind Gullberg Jensen, Jonathan Stockhammer, John Axelrod und Michel Tabachnik tätig. Im Oktober 2021 wird er in der Berliner Philharmonie das neue Schlagzeugkonzert von John Psathas mit dem Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin unter der Leitung von Markus Poschner uraufführen. In China, Südkorea, den USA, der Schweiz, der Niederlande und auf Festivals wie dem Schleswig-Holstein Musik Festival, dem Bonner Beethovenfest oder den Niedersächsischen Musiktage war Gerassimez bereits zu erleben. Im Mai 2021 ist sein Album ‹Starry Night› mit dem SIGNUM saxophone quartet bei Berlin Classics erschienen.
Gustav Peter Wöhler
Nach einer Ausbildung zum Großhandelskaufmann und dem eigentlichen Wunsch, Sozialpädagogik zu studieren, begann Gustav Peter Wöhler eine Schauspielausbildung an der Westfälischen Schauspielschule Bochum. Sein erstes Engagement erhielt der in Bielefeld geborene Schauspieler 1981 am Schauspielhaus Bochum unter Claus Peymann. 1982 wechselte er an das Deutsche Schauspielhaus Hamburg, wo er 14 Jahre blieb und unter zahlreichen namenhaften Regisseuren, unter anderem Zadek, Minks, Gotscheff und Castorf auf der Bühne arbeitete. Aktuell stand er in Salzburg im ‹Jedermann› und in ‹Professor Mamlock› (2021) in Hamburg auf der Bühne. Dem Kinopublikum ist er aus Filmen von Doris Dörrie wie ‹Bin ich schön› oder ‹Erleuchtung garantiert› bekannt, oder auch aus den ‹7 Zwerge›-Filmen mit Otto Walkes. Jüngst war er in ‹Oskars Kleid› (2020) und ‹Cortex› (2019) zu sehen. Auch im Fernsehen tritt Gutav Peter Wöhler immer wieder auf wie z.B. in ‹Nachtschicht> oder ‹Nord Nord Mord>. Neben der Schauspielerei gehört die Musik zu Gustav Peter Wöhlers Passionen. Als Leadsänger tritt seit 1995 in der Gustav Peter Wöhler Band auf und veröffentlichte damit einige CDs. Zudem spricht der Schauspieler Hörbücher ein, wofür er 2013 mit dem Deutschen Hörbuchpreis als ‹Bester Interpret› für seine Lesung aus Sibylle Bergs ‹Vielen Dank für das Leben› ausgezeichnet wurde.
Moritz Heger
Der deutsche Schriftsteller Moritz Heger studierte Germanistik, Theaterwissenschaften, Pädagogik und Evangelische Theologie in Mainz und schloss sein Studium mit dem Magister Artium und dem Staatsexamen ab. Heger leitet seit mehr als 30 Jahren Jugendtheatergruppen in Mainz und Stuttgart, die mit von ihm verfassten Texten arbeiten. Er ist Gymnasiallehrer in Stuttgart. Daneben arbeitet Heger als Autor und erhielt für Erzählungen unter anderem 1996 den Förderpreis zum Joseph-Breitbach-Preis und 2007 den MDR-Literaturpreis und den dazugehörigen Publikumspreis. 2008 erschien sein Debütroman ‹In den Schnee› bei Jung und Jung in Salzburg. Moritz Heger schreibt Romane, Gedichte, Theaterstücke und Kurzprosa, welche schon vielfach in Zeitungen und Zeitschriften, unter anderem in der FAZ, erschienen sind. Seit 2017 ist er erster Vorsitzender des Stuttgarter Schriftstellerhauses e. V. und leitet zusammen mit Moritz Hildt außerdem das dortige Junge Schriftstellerhaus. Im Februar 2021 erschien im Diogenes Verlag Hegers zweiter Roman ‹Aus der Mitte des Sees›, aus dem er bei ‹Wege durch das Land› lesen wird.
Elke Heidenreich
Elke Heidenreich ist Rundfunkmoderatorin und Autorin, vor allem aber auch Literaturkritikerin. Sie studierte unter anderem Germanistik, Publizistik und Theaterwissenschaft in Berlin, Hamburg und München und arbeitete zunächst bei Hörfunk und Fernsehen. Ihr Literaturdebüt feierte sie 1992 mit dem Erzählband ‹Kolonien der Liebe›. Darauf folgten zahlreiche Herausgaben vielfältiger Genres. Ihr aktuelles Buch ‹Männer in Kamelhaarmänteln – Kurze Geschichten über Kleider und Leute›, aus welchem Elke Heidenreich bei ‹Wege durch das Land› lesen wird, erschien 2020 im Hanser Verlag. Von 2003 bis 2008 moderierte sie die ZDF-Literatursendung ‹Lesen!› und ist seit 2012 Mitglied der Kritikerrunde im ‹Literaturclub› des Schweizer Fernsehsenders SRF. An der Kölner Kinderoper wirkte sie zwölf Jahre lang mit und verband ihre beiden Leidenschaften – die Literatur und die Musik –
als Herausgeberin der Edition Elke Heidenreich bei C. Bertelsmann. Heute lebt Elke Heidenreich in Köln.
Julius Heise
Der Vibraphonist, Schlagzeuger und Komponist Julius Heise, geboren 1987 in Neubrandenburg, studierte Vibraphon und Schlagzeug am Jazzinstitut Berlin bei Prof. David Friedmann, Prof. Mario Würzebesser, John Hollenbeck und Christian von der Goltz. Davor war er sieben Jahre Schüler des Berliner Musikgymnasiums C.-Ph.-E.-Bach und zugleich Jungstudent der Hochschule für Musik Hanns Eisler in Jazz- und Klassikschlagwerk. Seine Laufbahn startete im Alter von fünf Jahren mit Schlagzeugunterricht, im Alter von zehn Jahren kamen Klavier und Musiktheorie hinzu. Seit 2018 ist er Dozent für Jazz-Vibraphon am Jazz Institut Berlin. Neben seiner Karriere als Jazzmusiker ist er Ingenieur und Informatikstudent, Lehrer an der Schlagzeugabteilung der Musikschule ‹Klangbaum› in Berlin sowie aktives Mitglied des ‹Yehudi Menuhin -Live Music Now›- Vereins. Neben Projekten und Kollaborationen mit befreundeten Musikerinnen und Musikern wie Alexej Gerassimez, der BerlinDrumCompany, percussive mechanics mit Anna Webber oder mit DamirOutLoud und Projekten wie ‹Julius und Marie› oder dem ‹Julius Trio›, bleibt der facettenreiche Künstler mit regelmäßigen neuen Produktionen stetig aktiv. Projekte für diverse Theater wie das Konzerthaus Berlin oder die Landesbühne Sachsenanhalt runden seine Arbeit ab.
Thomas Hettche
Die Jury des Deutschen Buchpreises nannte Thomas Hettche ‹einen der elegantesten und raffiniertesten Stilisten der deutschsprachigen Gegenwartsliteratur›. Er studierte Germanistik, Philosophie und Filmwissenschaft in Frankfurt am Main und lebt als freier Schriftsteller in Berlin und in der Schweiz. Hettche hat Essays und Reportagen u. a. für die FAZ und die Neue Zürcher Zeitung publiziert, debütierte 1989 mit dem Roman ‹Ludwig muss sterben› und gab 1999 für ein Jahr die Online-Anthologie ‹NULL› heraus, eines der ersten deutschsprachigen Literaturprojekte im Internet. Zu seinen bekanntesten Romanen zählen ‹Woraus wir gemacht sind› (2006) und ‹Pfaueninsel› (2014), die beide auf der Short-List des Deutschen Buchpreises standen. Von 1995 bis 1999 war Hettche Juror des Ingeborg-Bachmann-Preises in Klagenfurt sowie von 2002 bis 2015 Juryvorsitzender des ‹Spycher: Literaturpreises Leuk›. Thomas Hettche erhielt u. a. den Rauriser Literaturpreis (1990), den Premio Grinzane Cavour (2005), den Düsseldorfer Literaturpreis (2013) und den Bayerischen Buchpreis (2014). Sein letztes Buch ‹Herzfaden. Roman der Augsburger Puppenkiste› erschien 2020.
Lisa Hrdina
Lisa Hrdina, geboren 1989 in Berlin, studierte von 2010 bis 2014 Schauspiel an der Universität der Künste Berlin. Noch während ihrer Schulzeit war sie Mitglied der Jugendtheatergruppe P14 an der Volksbühne am Rosa Luxemburg Platz in Berlin. Während ihres Studiums war sie in Berlin am Maxim Gorki Theater, am Deutschen Theater sowie in den Sophiensälen zum Beispiel in der Produktion ‹Der Kirschgarten› zu sehen. Seit 2014 ist sie festes Ensemblemitglied des Deutschen Theaters in Berlin, wo sie mit u. a. mit Daniela Löffner, Thorsten Lensing, Claudia Bauer und Stephan Kimmig unter anderem für ‹Medea.Stimmen› (2018) oder ‹Gaia googelt nicht› (2021) zusammengearbeitet hat. Sie ist neben ihrer Bühnenpräsenz auch in Funk, Fernsehen und Film zu erleben, zuletzt in ‹Ein starkes Team›, und wird demnächst in der für den Sonderpreis des Filmfest Hamburg nominierten Serie ‹Schneller als die Angst› zu sehen sein. 2019 wurde Lisa Hrdina mit dem Mario-Adorf-Preis für ihre schauspielerischen Leistungen für die Rolle ‹Ortlieb› in ‹Überwältigung› ausgezeichnet.
IDEA-Quartett
Das IDEA-Quartett ist ein international besetztes Streichquartett, welches aus vier begeisterten Kammermusikerinnen der Hochschule für Musik in Detmold besteht. Die Mitglieder des Quartetts, Sofya Vardanyan (Violine), Anna Teigelack (Violine), Hayasa Tanaka (Viola) und Claudia Cecchinato (Violoncello) kommen alle aus verschiedenen Herkunftsländern, woraus sich auch der Name des Quartetts zusammensetzt (I für Italien, DE für Deutschland und A für Armenien/ Australien). Aktuell erhalten Sie ihre Ausbildung von den Mitgliedern des Auryn-Quartetts und nehmen am hochschuleigenen Streichquartett-Programm teil. Auch im Bereich der historischen Aufführungspraxis sind alle Mitglieder sehr engagiert und setzen diese Kenntnisse gerne beim Erarbeiten des Kammermusikrepertoires ein.
Jürgen Keimer
Der Redakteur und Moderator Jürgen Keimer studierte zunächst Katholische Theologie und arbeitete als Kaplan im kirchlichen Dienst des Bistums Essen bevor er nach einem Studium der Geschichte und Kunstgeschichte an der Uni Köln ab 1974 als freier Journalist für die Deutsche Welle, den ZDF und den WDR arbeitete. 1977 begann er als festangestellter Redakteur beim WDR-Hörfunk zu arbeiten und war bis 2005 Leiter der Redaktionsgruppe ‹Aktuelle Kultur› beim Sender WDR 5. Außerdem moderierte er im WDR regelmäßig das ‹Tischgespräch› und die Veranstaltungsreihe ‹Funkhausgespräche›. Kulturinteressierte kennen ihn außerdem als Moderator der ‹Poetischen Quellen› im Aqua Magica Park in Löhne/Bad Oeynhausen, wo er seit Beginn des Internationalen Literaturfestes 2002 die Besucher durch Autorengespräche und Diskussionen führt.
Alexander Khuon
Alexander Khuon studierte an der Leipziger Hochschule ‹Felix Mendelssohn Bartholdy› für Musik und Theater. Während seiner Ausbildung sammelte er erste schauspielerische Erfahrungen am Studio des Staatsschauspiels Dresden. Von 2001 bis 2002 spielte er in den Inszenierungen ‹Disco› und ‹Trümmer des Gewissens›. Anschließend wechselte er an das Schauspiel Köln und war dort u. a. in ‹Hamlet›, ‹Kabale und Liebe› und ‹The Shape of Things› zu sehen. Weitere Engagements führte ihn 2004 an das Deutsche Theater Berlin, wo er seitdem fest zum Ensemble gehört. Hier arbeitet er mit Regisseuren wie Jürgen Gosch, Stephan Kimmig, Martin Pfaff, Dušan David Parizek oder Christian Petzold und war in Inszenierungen wie Schillers ‹Don Carlos›, Gorkis ‹Kinder der Sonne›, Jürgen Goschs ‹Die Möwe› und zuletzt in Yates ‹Zeiten des Aufruhrs› und Thomas Melles ‹Ode› zu sehen. Auch vor der Kamera ist Alexander Khuon präsent, zuletzt spielte er 2020 in ‹Schachnovelle› und ‹Das Quartett› sowie 2016 in ‹Babylon Berlin› mit. Für seine schauspielerischen Leistungen erhielt er 2009 ein Stipendium der Berenberg Bank Stiftung, wurde 2010 mit dem Gertrud-Eysoldt-Ring und 2014 mit dem Certamen Internacional de Cortos de Soria als bester Schauspieler ausgezeichnet. Der deutsche Schauspieler liest zudem Hörbücher und –spiele ein, unter anderem ‹Unterleuten› von Juli Zeh.
Klenke-Quartett
Gegründet 1991 an der Musikhochschule Franz Liszt in Weimar, zählt das Klenke Quartett, bestehend aus Annegret Klenke (1. Violine), Beate Hartmann (2. Violine), Yvonne Uhlemann (Viola) und Ruth Kaltenhäuser (Violoncello), heute zu einem der international gefragtesten Streichquartette. Durch die Förderung des Deutschen Musikrates und die Aufnahme in die Bundesauswahl ‹Konzerte Junger Künstler›, konnten die vier Musikerinnen sich als Ensemble schnell etablieren. Der internationale Durchbruch gelang ihnen mit der Gesamteinspielung der zehn großen Mozartquartette. 2021 feierte das Ensemble sein 30-jähriges Bestehen, dabei waren Norbert Brainin (Amadeus Quartett), Ulrich Beetz (Abegg Trio), Harald Schoneweg (Cherubini Quartett) und Sándor Devich (Bartók Quartett) wichtige Mentoren. Das Ensemble gastiert auf renommierten Festivals, begleitete den damaligen Bundespräsidenten Johannes Rau auf seinen Staatsbesuchen durch Südamerika und erspielte sich durch zahlreiche CD-Produktionen hervorragende Kritiken und Anerkennung in der internationalen Fachwelt. ‹Der Klang ist wunderbar transparent›, schreibt der Bayrische Rundfunk, ‹Klassik neu interpretiert› schreibt die WELT und ‹meisterhaftes Klassikspiel› urteilt die Thüringer Landeszeitung.
Wolfram Koch
Wolfram Koch sammelte bereits im Alter von 13 Jahren erste Theatererfahrungen und stand 1975 für seine erste Filmproduktion ‹Ansichten eines Clowns› nach der Romanvorlage von Heinrich Böll vor der Kamera. Er studierte an der Hochschule für Musik und bildende Kunst in Frankfurt am Main und ging währenddessen erste Theaterengangements z. B. am Berliner Staatstheater ein. 1995 folgte eine feste Besetzung am Schauspielhaus Bochum. 2011 wurde Wolfram Koch mit dem Theaterpreis Berlin für herausragende Verdienste um das deutsche Theater ausgezeichnet, 2013 erhielt Koch den SNCGI-Award als bester europäischer Schauspieler für ‹Die feinen Unterschiede› und 2017 einen Grimme-Preis für seine Hauptrolle in Marc Bauders ‹Dead Man Working›. 2018 folgte eine Nominierung für den Theaterpreis Der Faust für seine Rolle als Richard Herzog von Gloucester, in Shakespeares ‹Richard III›. Seit 2015 ist Wolfram Koch als Kriminalhauptkommissar Paul Brix regelmäßig im Frankfurter Tatort zu sehen. Er arbeitet als freischaffender Künstler und ist neben seinen Engagements bei diversen Theater-, Film- und Fernsehproduktionen auch als Hörbuchsprecher aktiv.
Kollektiv3:6Koeln
Das Kollektiv3:6Koeln, bestehend aus den vier Komponistinnen und Komponisten Georgia Koumará, Farzia Fallah, Nicolas Berge und Vladimir Guicheff Bogacz sowie den fünf Musikerinnen und Musikern Lola Rubio (Violine), Laura Hovestadt (Viola), Jennifer Seubel (Flöte), Moritz Baerens (Kontrabass) und Ramón Gardella (Schlagwerk), sucht seit der Gründung 2017 stetig und kompromisslos nach einer eigenen Klangsprache und Arbeitsweise, konfrontiert sich mit anderen Denkweisen und Kunstgenres, und realisiert spartenübergreifende Projekte, die in alternativen Spielorten stattfinden. So entstanden in ihrer aufwendig erarbeiteten #-Konzertreihe Uraufführungen im Alten Pfandhaus in Köln im Oktober 2017 ‹#1›, im Bogen 2 in Köln im November 2018 ‹#2› und zuletzt in der Rufffactory Köln im Oktober 2020 ‹#3›. Neben der #-Reihe gibt es weitere Satellitenprojekte des Kollektivs wie ihr Konzertprojekt ‹#hauskonzerte› 2017, ‹Beethoven unwandelbar› Sankt Gertrud Kirche, Köln
(2020) oder ‹#soundscapes› auf der Museums-Insel Hombroich, Neuss (2020). Außerdem war das Kollektiv auch bei diversen Festivals wie dem ‹Werft-Festival› Köln (2019), dem ‹AvantGarten-Festival›, Lieberg (2020), und beim ‹Acht Brücken-Festival›, Köln (2021) zu Gast. In seinen Inszenierungen arbeitet das Kollektiv 3:6 Koeln mit den Relationen von Raum und Zeit, Künstlerinnen und Künstlern und Publikum und lässt so spannende Klangwelten entstehen.
Rebekka Kricheldorf
Rebekka Kricheldorf ist eine der erfolgreichsten Dramatikerinnen Deutschlands. Sie studierte 1995 bis 1997 Romanistik an der Humboldt-Universität Berlin und im Anschluss Szenisches Schreiben an der Hochschule der Künste Berlin. Ab 2004 war sie als Hausautorin am Nationaltheater Mannheim engagiert und arbeitete anschließend als Dramaturgin und Hausautorin am Theaterhaus Jena. 2005 wurde Rebekka Kricheldorf zu den Mülheimer Theatertagen und 2011 zu den Autorentheatertagen des Deutschen Theaters Berlin eingeladen. Zu ihren wichtigsten Stücken gehören ‹Villa Dolorosa›, ‹Robert Redfords Hände selig› und ‹Gotham City I› sowie ‹Prinzessin Nicoletta›. Ihre Stücke werden auf den renommiertesten Bühnen Deutschlands aufgeführt. Für ihre Arbeit erhielt sie zahlreiche Stipendien und Preise, unter anderem 2003 den Kleist-Förderpreis für junge Dramatik und 2004 den Schiller-Förderpreis des Landes Baden-Württemberg. 2019 hatte Rebekka Kricheldorf die Saarbrücker Poetikdozentur für Dramatik inne. Ihr erster Roman ‹Lustprinzip› erschienen 2021 im Rowohlt Verlag, spielt im Berlin der 1990er Jahre und ist eine Hommage an die Freiheit der Jugend. Für ‹Wege durch das Land› schrieb sie die Auftragsarbeit ‹DAS ABENTEUER – ein Nachruf›.
Miku Sophie Kühmel
Simone Lappert
Simone Lappert (*1985) studierte Literarisches Schreiben am Schweizerischen Literaturinstitut in Biel, sie lebt und arbeitet als freie Autorin in Zürich. 2014 erschien ihr Romandebüt ‹Wurfschatten› (Metrolit, Berlin, 2014). Ihr zweiter Roman ‹Der Sprung› erschien Ende August 2019 bei Diogenes und war für den Schweizer Buchpreis nominiert. Simone Lappert ist literarisch und performativ an diversen Kunstprojekten beteiligt, führt literarisch durch Ausstellungen, zuletzt in der Fondation Beyeler (Alexander Calder und Fischli/Weiss) und in der Kunsthalle Basel (Lynette Yadom-Boakye). Sie ist Präsidentin des Internationalen Lyrikfestivals Basel, Jurymitglied des Basler Lyrikpreises, Mitbegründerin der transdisziplinären Gesprächsreihe Raum für Unsicherheit, war Schweizer Kuratorin für das Lyrikprojekt Babelsprech.International und ist Mitglied des AdS (Verband Autor*innen der Schweiz). Sie gibt Prosa- und Lyrikworkshops für Jugendliche und Erwachsene, zuletzt in den Literaturhäusern Lenzburg und Basel, sowie beim Radio SRF.
Dariya Maminova
Die Pianistin und Komponistin Dariya Maminova stammt aus Sankt Petersburg, wo sie Klavier und Komposition am staatlichen Konservatorium Sankt Petersburg studierte. Anschließend vertiefte sie ihr Studium sowohl an der Hochschule für Musik in Detmold bei Prof. Fabien Lévi, als auch an der Hochschule für Musik und Tanz in Köln bei Johannes Schöllhorn und Brigitta Munterdorf. Dort studiert sie aktuell elektronische Komposition bei Prof. Michael Beil. Ihre Arbeiten bewegen sich zwischen den Bereichen der experimentellen zeitgenössischen Musik und Gattungen der populären Musik und lässt diese mit klassischen Stücken und verschiedenen kulturellen Einflüssen verschmelzen. Seit 2013 ist sie Teilnehmerin des interdisziplinären Projektes ‹Framework›, bei dem sie mit Künstlerinnen und Künstlern u. a. aus Ghana, Äthiopien, Mozambique, Südafrika und Namibia als Komponistin und Interpretin arbeitete. In ihrem Projekt ‹Dariyas Songs› interpretiert sie eigene Lieder aus einer Synthese verschiedener Musikgattungen und vertont Texte u. a. von Lord Byron und James Joyce. Gemeinsam mit ihrer Schwester Malika Maminova (Schlagzeug) gründete sie das ‹MAMI NOVA projekt›. Für ihre einzigartige Musik und ihren intensiven und originellen Kompositionsstil wurde Maminova 2020 mit dem Bernd-Alois-Zimmermann-Stipendium ausgezeichnet.
Lisa-Katrina Mayer
Die deutsche Schauspielerin Lisa-Katrina Mayer absolvierte ihre Schauspielausbildung an der Bruckneruniversität Linz und an der Züricher Hochschule der Künste. Nach Arbeiten am Landestheater Linz sowie am Luzerner Theater spielte sie noch während ihres Studiums 2013 am Schauspielhaus Zürich, wo sie seit der Spielzeit 2014/15 als festes Ensemblemitglied engagiert war. Neben Projekten wie ‹Die Physiker›, ‹der schwarze Hecht› oder ‹Roberto Zucco› und Zusammenarbeiten mit Jan Bosse, Herbert Fritsch, Sebastian Nübling, Karin Henkel, Kornél Mundruczó, Timofey Kuliabin, Barbara Frey und vielen mehr entwickelte Lisa-Katrina Mayer 2018 in Zusammenarbeit mit Salome Schneebeli und Heta Multanen das Solo-Projekt ‹Missionen der Schönheit› am Schauspielhaus Zürich. Zuletzt stand sie 2019 als Nora in ‹Nora oder ein Puppenheim› in der Regie von Timofey Kuliabin auf der Bühne, in ‹Totart Tatort› von Herbert Fritsch, sowie in ‹Die Toten› von Barbara Frey, was im September 2021 im Rahmen der Ruhrtriennale in Bochum wieder zu sehen sein wird. Mit ihren Arbeiten am Schauspielhaus Zürich gastierte sie an zahlreichen internationalen Festivals, unter anderem in Shanghai, Taipei, St.Petersburg, Berlin und München. Lisa-Katrina Mayer ist außerdem regelmäßig als Filmschauspielerin vor der Kamera tätig. 2020 spielte sie beispielsweise in Rosa von Praunheims Kinoproduktion ‹der grausame Sohn›, sowie in der ARD Serie ‹Hubert ohne Staller› und in ‹Liebe› von Emma Kratt. Auch als Hörbuch- und Hörspielsprecherin arbeitet sie seit mehreren Jahren, unter anderem für den Deutschlandfunk, sowie den Schweizer Rundfunk (SRF). Als Company-Mitglied des Westdeutschen Tanztheaters und in Zusammenarbeit mit diversen internationalen ChoreografInnen ist sie seit 2019/20 zudem vermehrt als Performerin in zeitgenössische Tanzproduktionen involviert. Sie ist Förderpreisträgerin der Armin-Ziegler-Stiftung und wurde 2018 als Absolventin der Zürcher Hochschule der Künste für den prix netzhdk nominiert.
Claudia Michelsen
Die mehrfache Grimme-Preisträgerin Claudia Michelsen absolvierte Ihre Ausbildung an der Hochschule für Schauspielkunst Ernst Busch in Berlin. 1989 debütierte sie im Film ‹Die Besteigung des Chimaborazo› (Rainer Simon) und wurde an der Berliner Volksbühne engagiert. Es folgten zahlreiche weitere Auftritte am Theater, in Filmen und Serien, etwa 1991 in Jean Luc Godards ‹Deutschland Neu(n) Null›, 2004 in Dennis Gansels ‹Napola – Elite für den Führer› oder 2017 in Joachim A. Langs ‹Mackie Messer – Brechts Dreigroschenfilm›. 1995 erhielt sie für ihre Hauptrolle im Fernsehspiel ‹Das schafft die nie› (Lih Janowitz) den Max-Ophüls-Preis als Beste Nachwuchsdarstellerin. Es folgten 2008 der Fipa d‘ Or des Festival International de Programme Audiovisuels (FIPA) als ‹Beste Schauspielerin› mit ‹12 heißt: Ich liebe dich› (Connie Walther), sowie Nominierungen zum Deutschen Fernsehpreis und der Goldenen Kamera. Letztere gewann sie als Beste Schauspielerin 2013 mit ihrer Leistung im Film ‹Der Turm› (Christian Schwochow), der im selben Jahr noch den Grimme-Preis und den Publikums-Bambi 2012 gewann. 2013 wurde Claudia Michelsen mit dem Grimme-Preis für den Film ‹Grenzgang› (Hannah Hollinger) und in diesem Jahr mit dem Preis für Schauspielkunst des Festivals des deutschen Films ausgezeichnet. Im sozialen Raum engagiert sie sich als Botschafterin von ‹Die Arche – Christliches Kinder- und Jugendwerk e.V.› und stellt seit 2012 einen Teil der Jury des Michael-Althen-Preis für Kritik dar. Die Schauspielerin liest zudem viele Hörbücher und –spiele ein.
Mine
2012 startete das Soloprojekt Mine der 35-jährigen studierten Jazz-Sängerin und Produzentin Jasmin Stocker. Seitdem veröffentlichte sie fünf Studioalben, zuletzt ihr Album ‹Hinüber› im April 2021. Mine arbeitete mit Musikerinnen und Musikern aus der Hiphop-Szene zusammen wie den Orsons, Edgar Wasser, Dexter, Großstadtgeflüster, Samy Deluxe oder Fatoni. Ihre wandelbare, stets neu klingende Musik beschreibt die Sängerin selbst als ‹deutschsprachigen Folk mit Hip Hop-, Jazz-, und elektronischen Elementen›. In Zusammenarbeit mit Gästen wie Friedrich Lichtenstein, Tristan Brusch, Textor (Kinderzimmer Productions), Ecke Prenz und dem Berliner Kneipenchor organisierte Mine zwei ‹Orchester-Konzerte›, bei dem sie ihre Lieder mit Orchesterbegleitung spielte. 2016 erhielt sie den Preis für Popkultur in der Kategorie ‹Lieblingssolokünstlerin›.
Monet Quintett
Die Musikerinnen und Musiker des Monet Quintetts – Anissa Baniahmad (Flöte), Marc Gruber (Horn), Johanna Stier (Oboe), Theo Plath (Fagott), Nemorino Scheliga (Klarinette) – verbindet seit der Gründung des Ensembles 2014 eine intensive Leidenschaft zur Musik, die sie u. a. in die Säle des Konzerthauses Dortmund, der Opera de Lyon oder auf Bühnen renommierter Musikfestivals wie des Heidelberger Frühlings, des Bonner Schumannfestes oder des Davos Festivals führte. Die Musikerinnen und Musiker des Bläserquintetts sind allesamt Preisträgerinnen und Preisträger nationaler sowie internationaler Wettbewerbe und spielen in Solopositionen in bedeutenden deutschen Orchestern. Im Rahmen des Deutschen Musikwettbewerbs 2016 wurde das Quintett mit einem Stipendium ausgezeichnet, 2017 gewann das Quintett den 3. Preis beim Internationalen Kammermusikwettbewerb in Lyon und brachte im April 2020 seine Debut-CD mit Werken von Paul Taffanel, Gustav Holst, Jean Françaix und Richard Dubugnon heraus.
Das Monet Quintett spielt in der Besetzung:
Anissa Baniahmad (Flöte)
Nemorino Scheliga (Klarinette)
Stephan Schottstädt (Horn)
Johanna Stier (Oboe)
Theo Plath (Fagott)
Ulrich Noethen
Ulrich Noethen ist einer der führenden deutschen Charakterdarsteller in Film und Fernsehen. Nach seinem Schauspielstudium an der Hochschule für Musik und darstellende Kunst Stuttgart führten ihn Theaterengagements u. a. nach Freiburg, Köln und Berlin, wo er mit Regisseuren wie Frank Castorf und Hans Neuenfels arbeitete. Einem breiten Kinopublikum wurde er durch seine Darstellung des A-Cappella-Sängers Harry Frommermann im erfolgreichen Film ‹Comedian Harmonists› bekannt. Für diese Rolle wurde er mit dem Deutschen Filmpreis als Bester Hauptdarsteller (1998) ausgezeichnet. In den darauffolgenden Jahren war er in zahlreichen Kino- und Fernsehfilmen zu erleben, u. a. in ‹Der Untergang› (2004), ‹Hannah Arendt› (2011), ‹Das Tagebuch der Anne Frank› (2016) und zuletzt in ‹Unterleuten – Das zerrissene Dorf› (2020) nach der Romanvorlage von Juli Zeh. Für seine zahlreichen Rollen wurde er mit Auszeichnungen wie dem Bayerischen Filmpreis, dem Deutschen Fernsehpreis (2006), der Goldenen Kamera (2006), dem Adolf-Grimme-Preis (2009 und 2010) sowie dem Deutschen Schauspielerpreis (2012) geehrt. Ulrich Noethen ist darüber hinaus ein renommierter Hörbuchsprecher, für seine Lesung des Romans ‹Nackter Mann, der brennt› von Friedrich Ani gewann er 2017 den Deutschen Hörbuchpreis.
Peter Lohmeyer
Peter Lohmeyer, geboren als Pfarrerssohn, ist im Ruhrgebiet aufgewachsen. Nach der Ausbildung an der Westfälischen Schauspielschule in Bochum hat er sich im Doppelpass zwischen Theater und Film über die Jahre in die erste Liga der deutschen Schauspielkunst geschossen. Trotz mehrerer Filmpreise hat er es geschafft, immer den Ball flach zu halten und in der schönen Hafenstadt Hamburg seine Heimat gefunden. Sein Kollege Joachim Król hat mal auf die Frage geantwortet, was er an Peter Lohmeyer am meisten schätze: ‹seine Leidensfähigkeit›. Und so lebt er, nach eigener Aussage, glücklich und zufrieden nach der Devise: Wir sind viel zu sehr damit beschäftigt Fehler zu vermeiden anstatt sie zu machen! Nach über 100 Vorstellungen als Tod bei den Salzburger Festspielen traut man Ihm noch manch anderen Fehler zu.
Katerina Poladjan
Die Schriftstellerin Katerina Poljadan studierte Angewandte Kulturwissenschaften an der Leuphana Universität Lüneburg und Darstellende Kunst an der Akademie der bildenden Künste in München. Sie schreibt Theatertexte sowie Essays und debütierte 2011 mit ihrem Roman ‹In einer Nacht, woanders›. Ihre Texte wurden mit Stipendien wie dem Grenzgänger Stipendium der Robert Bosch Stiftung, dem Stipendium der Kulturakademie Tarabya in Istanbul, dem Stipendium des Deutschen Literaturfonds und dem Senatsstipendium der Stadt Berlin gefördert und mit zahlreichen Literaturpreisen ausgezeichnet. 2015 wurde ihr Roman ‹Vielleicht Marseille› für den Alfred-Döblin-Preis nominiert und die gebürtige Moskauerin als Teilnehmerin zum Ingeborg-Bachmann-Wettbewerb eingeladen. Im selben Jahr produzierte sie gemeinsam mit dem Radioautor und Theaterregisseur Andreas Kebelmann das Radiofeature ‹Zwischen Aragaz und Ararat›, in welchem sie mit Unterstützung des SWR den Wurzeln ihrer Familie in Armenien vor dem Genozid 1915-17 nahegeht. Auf dieser Grundlage erschien 2019 der Roman ‹Hier sind Löwen›, welcher für den Deutschen Buchpreis nominiert war und für welchen die Schriftstellerin im Dezember 2021 mit dem Dortmunder Nelly-Sachs-Preis ausgezeichnet wird.
Aylen Pritchin
Aylen Pritchin studierte am Tchaikovsky Konservatorium in St. Petersburg bei Prof. Eduard Grach und bei Prof. Elena Zaitseva. Seitdem musizierte der junge Künstler nicht nur in Russland, sondern gastierte unter anderem in Deutschland, der Schweiz, den Niederlanden, in Frankreich, Bulgarien, Vietnam und Japan. Seine Auftritte führten ihn auf die Bühnen des Wiener Konzerthauses, des Salzburger Mozarteum, der Stockholmer Musikaliska oder dem Théâtre des Champs-Élysées in Paris. Für seine musikalischen Leistungen wurde Aylen Pritchtin mit dem Henryk Wieniawski Violinwettbewerb in Posen und 2014 mit dem 1. Preis des renommierten Pariser Long-Thibaud-Crespin Wettbewerbs in der Kategorie ‹Violine› ausgezeichnet. Aktuell arbeitet er an seinem vierten Album, welches noch 2021 veröffentlicht werden soll.
Lutz Rademacher
Der Generalmusikdirektor des Landestheaters Detmold Lutz Rademacher studierte an der Hochschule für Musik und Theater in Hamburg bei Prof. Klauspeter Seibel. Sein Studium erweiterte er mit Kursen des Dirigentenforums des Deutschen Musikrates an der Accademia Chigiana in Siena. Er war von 2003 bis 2007 Assistent des Chefdirigenten am Theater Basel und von 2007 bis 2009 erster Kapellmeister und stellvertretender Generalmusikdirektor am Theater Freiburg. Gemeinsam mit Sebastian Nübling erschuf Lutz Rademacher das Projekt ‹Judith›, mit dem er u. a. 2009 bei den Salzburger Festspielen und 2010 an der Staatsoper Stuttgart debütierte. Es folgten Gastdirigate unter anderem an der Komischen Oper Berlin, dem deutschen Symphonie- Orchester Berlin, der Neuen Philharmonie Westfalen oder der Vlaamse Opera Antwerpen, sowie Kooperationen mit u. a. Frank Hilbrich, Calixto Bieito und Claus Guth. Seit 2013 arbeitet Rademacher als Generalmusikdirektor am Landestheater Detmold, zuletzt an Produktionen wie George Benjamins ‹Written on Skin›, Wagners ‹Meistersinger› oder Verdis ‹Luisa Miller›. In der kommenden Saison wird Lutz Rademacher wieder freischaffend als Pianist und Dirigent arbeiten. Geplant ist die Uraufführung eines Musiktheaterwerkes von Gordon Kampe am Hamburg Institute for Advanced Study.
Judith Rosmair
Judith Rosmair arbeitet frei in den Bereichen Theater, Film, TV, Hörspiel und Oper, in Deutschland und auf internationalen Festivals. Sie war im Ensemble des Schauspielhaus Bochum, des Thalia Theater Hamburg und der Schaubühne Berlin. Sie ist Protagonistin von namhaften Regisseur*innen, wie Wajdi Mouawad, Torsten Fischer, Falk Richter, Dimiter Gotscheff, Nicolas Stemann, Thomas Ostermeier, Gesine Dankwart, Martin Kušej, Wilfried Minks, Helene Hegemann, Jürgen Kruse, Frank Castorf, Jürgen Gosch und arbeitet mit dem Videokünstler Theo Eshetu zusammen. Rosmair war 2018 Stipendiatin der Kulturakademie Tarabya. Sie schreibt und produziert eigene Performances, wie ihr bei Presse und Publikum gefeiertes Theaterstück ‹CURTAIN CALL!› oder ihr Virtual-Reality-Projekt ‹BYE BYE BÜHNE› , das beim Kunstfest Weimar 2021 uraufgeführt wird. 2007 wurde sie von der Fachzeitschrift Theater heute als Schauspielerin des Jahres ausgezeichnet. Judith Rosmair lebt in Berlin.
Anna Schudt
Anna Schudt studierte Schauspiel in München und gehörte anschließend fest zum Ensemble der Münchner Kammerspiele. Zudem spielte sie u. a. am Düsseldorfer Schauspielhaus und an der Berliner Schaubühne. Neben ihrer erfolgreichen Karriere als Theaterschauspielerin war Anna Schudt auch in zahlreichen Fernsehproduktionen zu sehen. Vor allem mit der Rolle der Hauptkommissarin Martina Bönisch im Tatort Dortmund, die sie seit 2012 bekleidet, wurde sie einem breiten Fernsehpublikum bekannt. Zahlreiche weitere TV-Auftritte folgten, wie z.B. Jan Georg Schüttes Impro-Film ‹Klassentreffen› (2019), ‹Eine harte Tour› (2020) oder die Krimi-Reihe ‹Mordshunger› (seit 2015). Auch in verschiedenen Kinofilmen wirkte Anna Schudt mit, so unter anderem in Hans Steinbichlers ‹Winterreise› (2006) und in ‹Keine Angst› (2009) unter der Regie von Aelrun Götte. Sie ist Preisträgerin des International Emmy Awards als beste Darstellerin in ‹Ein Schnupfen hätte auch gereicht› (2016), und wurde für Ihre Leistung in ‹Aufbruch in die Freiheit› (2017) mit dem Bayerischen Filmpreis sowie mit der Goldenen Kamera ausgezeichnet.
SiEA
Das Avantgarde-Pop-Kollektiv SIEA gründete sich im Januar 2018 in München und setzt sich zusammen aus Antonia Dering (Gesang & Performance), Patricia Römer (Gesang & Synthesizer), Ramona Schwarzer (Posaune), Valentina Oefele (Altsaxophon), Amélie Haidt (Gitarre & Gesang), Julia Hornung (Bass, Kontrabass & Moog), Angela Requena Fuentes (Schlagzeug & Sampling) und Carlotta Dering (Kostüme & Bühnenkonzept). Die Musik, die die sieben Musikerinnen schreiben, bewegt sich zwischen Pop, Jazz, Techno, Indie und Performance und erschafft, abgerundet von Synthesizer und elektronischen Effekten, ein harmonisches Ensemblespiel, welches mit wiederkehrenden Soli und tiefgründigen Texten neue Dimensionen aufmacht. Durch schillernd knallige Kostümdesigns und ungewöhnliche Requisiten sticht die all-female-Pop-Band hervor. Live zu erleben waren die Musikerinnen auf Festivals zum Beispiel in München, Berlin, Südtirol, Leipzig, Göttingen und Kempten. Im April 2021 erschien zudem ihr Debut Album ‹RIDE›, aus welchem sie bei ‹Wege durch das Land› spielen werden.
STEGREIF.orchester
Seit der Gründung im Jahre 2015 spielt das STEGREIF.orchester, unter der künstlerischen Leitung von Juri de Marco, ohne Noten, ohne Dirigentin oder Dirigenten und ohne Stühle. Durch Improvisation, Bewegung und Freiheit der Musiker*innen sowie des Publikums verwandelt es den Konzertsaal, den Zuschauerraum und auch die Ränge zur Bühne. Das Orchester setzt sich dafür ein, Musik durch Rekompositionen und Genreverschmelzungen mehr Lebendigkeit zu verleihen. Die 30 internationalen Musiker*innen sind bereits u. a. in der Elbphilharmonie und dem Berliner Konzerthaus aufgetreten, aber auch auf alternativen Festivals wie der Fusion oder dem Oranjewoud Festival (NL). Seit dem Gründungsprojekt ‹#freebeethoven› entwerfen die jungen Musikerinnen und Musiker jedes Jahr
mindestens ein neues Konzertprogramm. Zuletzt entstand in Kooperation mit dem Konzerthaus Dortmund das Community-Music-Projekt ‹BE:Community›. Juri de Marco und das Orchester waren Teil des ‹#bebeethoven›-Fellowships des Podium Festivals Esslingen. Beim 14. europäischen Kulturmarken-Award wurde das STEGREIF.orchester europäische Trendmarke des Jahres 2019. Darüber hinaus erhielt das Orchester 2018 den Würth Preis der Stiftung Jeunesses Musicales und den Startup!music-Preis 2017 der Hanns Eisler Hochschule für Musik in Berlin.
STEGREIF entwickelt neben Konzerten und Auftritten zudem Workshops für Kinder und Jugendliche, gemeinsame Konzertprogramme mit Laien sowie eine eigene digitale Education-Serie mit dem Namen ‹PLURAL›. Mit Benefizkonzerten, Auftritten bei Klimademonstrationen, ressourcenschonenden Produktionen und Statements innerhalb ihrer Produktionen setzen sich die Mitglieder zudem für Themen der sozialen Gerechtigkeit ein.
Jördis Triebel
Die Schauspielerin Jördis Triebel studierte bis 2001 an der Hochschule für Schauspielkunst Ernst Busch in Berlin, es folgten Engagements am Schauspielhaus Hamburg, dem Theater Bremen, dem Schauspielhaus Zürich oder dem Schauspielhaus Köln. Seit 2005 ist Jördis Triebel auch in Film und Fernsehen zu sehen und spielte unter anderem in ihrem Kinodebüt in ‹Emmas Glück› neben Jürgen Vogel, wofür sie u. a. mit dem Undine Award sowie dem Förderpreis Deutscher Film geehrt wurde. 2009 spielte sie in ‹Die Päpstin›, 2013 in ‹Westen› und 2017 in ‹Babylon Berlin› mit. Zuletzt war sie 2020 in der Serie ‹Mirella Schulze rettet die Welt› von Sinan Akkus und Jonas Grosch und in der dritten Staffel der Netflix Produktion ‹Dark›, sowie in verschiedenen Tatort-Produktionen zu sehen. Für ihre Darstellungen wurde Jördis Triebel unter anderem 2013 mit der Lola als Beste Schauspielerin ausgezeichnet, für ihre Nebenrolle in ‹die Päpstin› für den deutschen Fernsehpreis nominiert oder für ihre darstellerische Leistung in ‹Westen› mit dem Deutschen Filmpreis sowie auf dem World Film Festival Montreal als Beste Schaupielerin ausgezeichnet. Zudem liest Jördis Triebel Hörbücher und –spiele ein, zuletzt Juli Zehs ‹Unterleuten›.
Nikos Tsiachris
Max von der Groeben
Max von der Groeben, 1992 in Köln geboren, studierte Schauspiel an der Otto-Falckenberg-Schule in München. Seine Karriere begann 2004 mit seinem ersten Fernsehengagement für die deutsche Comedyserie ‹Bernds Hexe›. Seitdem war Max von der Groeben immer wieder in Fernseh- und Kinoproduktionen zu sehen. 2012 u. a. in dem Film ‹Inklusion – gemeinsam anders›, der für den Günther-Strack-Fernsehpreis nominiert war und Max von der Groeben 2013 für den Deutschen Schauspielerpreis. Im selbigen Jahr erhielt der Schauspieler den HÖRZU-Nachwuchspreis – Goldene Kamera für seine schauspielerischen Leistungen in den Filmen ‹Polizeiruf 110 – Eine andere Welt› und ‹Inklusion – gemeinsam anders›. Einem breiten Publikum wurde der 29-Jährige bekannt durch seine Rolle des Daniel Beckers (Danger) in der erfolgreichen ‹Fack ju Göhte›-Filmreihe, sowie als Freddy in den Kinofilmen ‹Bibi und Tina› von Detlev Buck (2013-2016). Es folgte der Netflix-Thriller ‹Kidnapping Stella› mit ihm, Jella Haase und Clemens Schick in den Hauptrollen. Ende 2019 sah man Max von der Groeben in der Romanverfilmung ‹Auerhaus› von Neele Leana Vollmar. 2020 folgten ‹LINDENBERG! Mach dein Ding› von Hermine Huntgeburth und die ZDF-Miniserie ‹Die verlorene Tochter› von Kai Wessel.
Neben der Schauspielerei fungiert Max von der Groeben auch immer wieder als Synchron-, Hörspiel- und Hörbuchsprecher, so etwa für ‹Der kleine Drache
Kokosnuss› oder Stan Lees ‹Alliances – A trick of light›. 2021 folgen die Kinofilme ‹Die Schule der magischen Tiere› und ‹Hinterland› von Stefan Ruzowitzky.
Bo Wiget
Bo Wiget ist ein musikalischer Grenzgänger. Nach klassischer Celloausbildung begann er, sich ab 1989 für Rock, Jazz und insbesondere für improvisierte Musik zu interessieren und beschäftigte sich autodidaktisch mit Komposition. Gleichzeitig verstärkte sich auch sein Interesse für Bühnenkunst. Er komponierte zahlreiche Hörspielmusiken und erhielt Kompositions- und Bearbeitungsaufträge für verschiedene Ensembles, darunter für die Sing-Akademie zu Berlin, den Staats- und Domchor Berlin, das Duo Rossini und die Lautten Compagney. Als Theatermusiker arbeitete Wiget u. a. am Theater Neumarkt Zürich, am Schauspielhaus Zürich, am Theater Freiburg, am Nationaltheater Mannheim, an der Staatsoper Berlin und an der Volksbühne Berlin mit Künstler:innen wie Meg Stuart, Christoph Frick oder Stefan Kaegi zusammen. Als Cellist trat er mit klassischen Musikern sowie Jazz- und Rockmusikern auf und improvisierte mit ihnen. Konzerte und Festivalauftritte führten ihn darüber hinaus durch ganz Europa und nach Japan. 2018 erschienen das Album ‹Weltformat› sowie 2020 ‹Time Zones› auf CD. Wiget ist europaweit regelmäßig solistisch, mit Andreas Müller als Performance-Duo ‹Beide Messies›, mit dem bildenden Künstler und Gitarristen Luigi Archetti sowie als Duo mit der australischen Tänzerin Rosalind Crisp zu erleben.
Michaela Wolf
Das Büro bergmeisterwolf geht auf eine Begegnung von Gerd Bergmeister und Michaela Wolf zurück und ist in Brixen (IT) und Rosenheim (DE) ansässig. Das Büro hat im Laufe der Jahre seine eigene Methodologie in der Planung entwickelt, die stets auf ein maßvolles und integratives Verhältnis zwischen Gebäude und Umgebung abzielt, die lokalen Traditionen Südtirols berücksichtigt und von diesen auch die Einstellung zum Handwerk übernimmt, so wie es eben ein authentisches Werkstattatelier für besondere räumliche Ideen und Lösungen tut. Das tiefere Verständnis für urbane oder ländliche Zusammenhänge, die zeitgenössische Lesart von Geschichte und lokalen Traditionen bestimmen die ersten planerischen Schritte, die das Büro vollzieht, um Bauwerke wie einzelne Nadeln in der Landschaft zu fixieren, die Zwischenräume schaffen, dadurch das Ambiente verändern, in das sie eingefügt werden und so neue Örtlichkeiten und Landschaften kreieren. Der ständige gegenseitige Austausch mit den Bauherrinnen und Bauherren macht jede Arbeit zu einem Prozess auf Lösungen hin, die auf synergetische Weise den Erfordernissen der Bauherrinnen und Bauherren wie auch des Ortes gerecht werden. Die Verwendung von Modellen hat deshalb ein duales Ziel. Zum einen sind sie ein Dispositiv, anhand dessen der Dialog mit der Bauherrschaft geführt werden kann; zum anderen sind sie das bevorzugte Instrument, mit dem bergmeisterwolf Erkenntnisse über das Territorium, seine Formen und seine Transformationspotenziale gewinnt und vertieft, um so Bauten zu realisieren, die in der Lage sind, den räumlichen Kontext in einer neuen zeitgemäßen Formensprache zu infizieren und die Identität der Orte zu offenbaren. Neben der professionellen Arbeit geht das Büro Forschungs- und Lehrtätigkeiten an der Technischen Hochschule Rosenheim nach, wo es mit Entwurf und Raum experimentiert und sich mit dem Material Holz befasst. Über die Jahre hat bergmeisterwolf zahlreiche Preise und Nominierungen erhalten, darunter die Nominierung für den Eu Mies Award 2022 und – unter den bedeutendsten – den Premio Architetto Italiano (Italienische Architekten des Jahres) 2019, der von der Nationalen Architektenkammer CNAPPC (Consiglio Nazionale degli Architetti, Pianificatori, Paesaggisti e Conservatori) vergeben wird, ‹für ein besonderes Augenmerk auf das bauliche Umfeld, auf die Materia-lien und für eine mutige formale Lösung›. Jünger ist der zuletzt 2021 verliehene Preis Best Architects, der zu den wichtigsten im deutschsprachigen Raum zählt und dem Büro für 2022 – wie bereits für die Jahre 2020, 2018 und 2016 – zuer-kannt wurde. Weitere Preise sind: der Premio Architetto Italiano in der Kategorie ‹Opere di Restauro e Ricupero› (Restaurierungs- und Wiederinstandsetzungs-arbeiten), im Rahmen der Festa dell’Architetto des Jahres 2018 vergeben; drei Preise Architettura Città Oderzo der Jahrgänge 2020, 2014 und 2013 und viele andere. bergmeisterwolf war an verschiedenen Konferenzen und nationalen wie internationalen Jurys beteiligt, darunter dem des Piranesi Award von 2011. Außerdem war das Büro in zahlreichen Ausstellungen vertreten, darunter 2020 in Architettura Alto Adige (Südtiroler Architektur) in Neapel, an der Architektur-biennale von Pisa im Jahr 2019 und am italienischen Pavillon der Architektur-biennale von Venedig 2012. 2020 hat bergmeisterwolf eine eigene Ausstellung in der Galleria Spazio Solido in Treviso realisiert und zuvor, 2018, eine Ausstellung in der Galleria Prisma in Bozen unter dem Titel Dislocazione-Ortswechsel.
Luise Wolfram
Bereits mit sieben Jahren stand die 1987 geborene Luise Wolfram zum ersten Mal für eine Kinorolle in ‹Engelchen› vor der Kamera. 2002 war sie außerdem in ‹Polizeiruf 110 – Wandas letzter Gang› zu sehen und stand von 2002 bis 2005 mit der Theatergruppe der Musik- und Kunsthochschule Jena auf der Bühne. Nach ihrem Abschluss 2010 an der Hochschule für Schauspielkunst Ernst Busch in Berlin folgten weitere Theater- und Filmproduktionen, welche mit vielfachen Auszeichnungen prämiert wurden. 2013 erhielt Luise Wolfram in Moskau den Theaterpreis Die goldene Maske für ‹Fräulein Julie› und ebendiesen 2015 für ‹Tartuffe›. Für ‹Tartuffe› erhielt die Schauspielerin zudem den Prix de critique de l’Association québécoise des critiques de théâtre in Montreal. Außerdem wurde sie 2014 mit dem Friedrich Luft Preis für ‹For the disconnected child› geehrt. Mit Produktionen der Schaubühne gastierte Luise Wolfram bereits in Kanada und Brasilien sowie in Europa in Paris, London, Madrid, Stockholm, Rennes und Ljubljana. Zuletzt war sie 2019 in dem Kinofilm ‹Kiss me kosher› von Shirel Peleg und 2021 für den Tatort Bremen ‹Und immer gewinnt die Nacht› von Oliver Hirschbiegel zu sehen.